Les photographes documentaires brillent à Photo España

Cette année marque une nouvelle ère pour le festival annuel Photo España de Madrid. Sous la houlette de sa nouvelle directrice, María Santoyo, le festival souhaite relever trois grands défis : élargir les pratiques artistiques, se rapprocher de nouveaux publics et alimenter les débats sur l’avenir de la photographie. Ces objectifs sont en résonance avec le thème du festival, « Perpetuum Mobile ». Le mouvement et le dynamisme – de la photographie en tant que médium et des artistes derrière l’objectif – relient un vaste programme de 84 expositions et 293 artistes. Ceux-ci vont de photographes engagés socialement à artistes qui ont traversé des océans, en passant par ceux qui appliquent de nouveaux procédés pour libérer la photographie de sa qualité bidimensionnelle. 

Au cœur du programme, on trouve une série d’expositions spectaculaires, dont une gigantesque rétrospective du travail d’Erwin Olaf, une tendre installation de la jeune artiste Widline Cadet, ainsi qu’une vaste exposition collective de 27 photographes espagnols qui repousse les limites de la photographie. Plusieurs expositions brillantes sont consacrées aux grands noms de la photographie documentaire : Elliott Erwitt, David Goldblatt et Masahisa Fukasa. Mais après avoir visité les lieux impressionnants du festival – un théâtre d’opéra, un palais du 19e siècle et les jardins botaniques de Madrid, pour n’en citer que quelques-uns – ce sont les photographes méconnus qui volent la vedette.

Consuelo Kanaga est une pionnière oubliée de l’époque de la Grande Dépression. Née en 1894, elle est devenue la première femme photojournaliste d’un grand journal, en travaillant pour le San Francisco Chronicle. Dans les années 1930, elle est associée à des groupes d’avant-garde tels que le f.64 à San Francisco et la Photo League à New York. Pendant six décennies, elle a travaillé sur des questions sociales telles que la pauvreté urbaine, les droits des travailleurs et le mouvement des droits civiques. Son œuvre est exposée à la Fundación MAPFRE, qui présente la toute première rétrospective européenne de la photographe. 

Kanaga a franchi des barrières, mais selon un rapport publié dans le New York Times en 1993, « elle a dédaigné la richesse, la célébrité et l’autopromotion, [et] ses images transcendantes n’ont donc jamais reçu l’acclamation qu’elles méritaient ». Kanaga a ainsi été éclipsée par ses contemporains – Alfred Stieglitz, Ansel Adams, Imogen Cunningham et Dorothea Lange – mais des lueurs de son influence transparaissent dans l’exposition. Une photographie sans titre de 1922, représentant une mère veuve embrassant trois enfants, est frappante. Cette composition a certainement inspiré Migrant Mother de Dorothea Lange, l’une des photographies les plus célèbres de l’époque de la Grande Dépression. 

Malgré son influence parmi ses pairs et dans les mouvements sociaux qu’elle défendait, Kanaga est morte pratiquement inconnue en 1978. Exposée parallèlement à la rétrospective de David Goldblatt à l’étage, son œuvre parcourt le rez-de-chaussée de l’institution – une occasion rare de voir à travers l’objectif d’une humble pionnière. On y trouve aussi des documents où la photographe s’exprime, dont une très juste citation : « Lorsque vous faites une photographie, c’est en grande partie une image de votre propre personne. C’est la chose la plus importante. Beaucoup de gens essaient de développer un style frappant pour attirer l’attention. Je pense que l’important n’est pas d’attirer l’œil, mais l’esprit. »

À 20 minutes à pied de la fondation MAPFRE, au sud, se trouve une exposition de photographies urbaines prises par Boris Savelev, présentée dans la structure industrielle d’une ancienne usine sidérurgique. Savelev n’est pas « inconnu » au sens strict du terme. Il était l’un des photographes les plus célèbres de l’ex-Union soviétique, mais son travail a été peu vu en dehors du bloc. Né en Ukraine en 1947, Savelev s’est installé à Moscou dans les années 1960 et a travaillé comme ingénieur aéronautique. Parallèlement, il a été un photographe prolifique, avec d’élégantes observations de scènes urbaines parfois mélancoliques, mais aussi humanistes, pleines d’esprit et ludiques. 

Adam Lowe, commissaire de cette exposition et imprimeur de Savelev depuis le milieu des années 1990, explique que le photographe « ne se contente pas de prendre des photos, il en fait ». Savelev, qui vit dans le nord de l’Espagne depuis l’invasion russe en 2022, est obsédé par la technologie, la composition et la lumière. De l’appareil photo qu’il choisit à la disposition précise dans son viseur, en passant par les couches méticuleuses du processus d’impression. « La matérialité de l’objet est très importante », explique le conservateur. Il poursuit en citant Oscar Wilde : « “Nous sommes tous dans le caniveau, mais certains d’entre nous regardent les étoiles.” Cette phrase me semble tout à fait appropriée. Tant d’images de Boris semblent provenir du caniveau, mais en fait elles regardent les étoiles – elles sont généreuses. »

Gonzalo Juanes, peut-être le photographe le moins connu de l’exposition, était un documentariste prolifique du nord de l’Espagne. Né en 1923 dans la ville portuaire de Gijón, Juanes est devenu le porte-flambeau asturien du groupe AFAL, le collectif de photographes espagnols le plus important du 20e siècle. Il s’agit de la première grande exposition de son œuvre, présentée 10 ans après sa mort. Intitulée « Une lumière incertaine », elle est organisée méticuleusement sur les quatre étages d’un ancien château d’eau, un voyage cylindrique à travers les ombres et les lumières d’une vie consacrée à l’observation. 

Juanes a photographié en noir et blanc dans les premières années, mais les années 1960 ont marqué un tournant dans sa carrière lorsqu’il a découvert la magie du Kodachrome. Juanes est devenu un pionnier de la photographie en couleur, résistant au snobisme attaché à la photographie en noir et blanc pour explorer de nouvelles possibilités. Il a photographié des festivals locaux, des paysages urbains et des objets trouvés avec éclat et flair. Son portrait de la bourgeoisie de la rue Serrano à Madrid en 1965 est particulièrement remarquable. 

Étant donné que le thème du festival est ancré dans le mouvement, le dynamisme et l’avenir, il semble terriblement traditionnel de se concentrer sur une ancienne génération de photographes documentaires. Ce sont ces expositions qui ont le plus ému le public, mais au-delà, il existe beaucoup d’expositions d’artistes contemporains qui sont audacieuses et qui donnent à réfléchir. Le portrait hypnotique de Lua Ribera sur la scène espagnole de la trappe, par exemple, et l’enquête fascinante de David Trullo sur les archives trouvées par un couple marié sur ses exploits sexuels.

Le principal enseignement de cette édition de Photo España? La photographie est consciente et vivante – elle va de l’avant, regarde en arrière et est constamment en conversation avec elle-même et avec les autres. La directrice María Santoyo prépare déjà l’événement de l’année prochaine. L’accent sera mis sur la diversité et les récits alternatifs. Le résultat sera certainement passionnant.

PHotoESPAÑA est à voir dans divers lieux à Madrid jusqu’au 29 septembre 2024. Rendez-vous sur le site du festival pour plus d’informations.